El éxito de taquilla del cine diverso desafía las narrativas políticas actuales

Esta mañana, mientras revisaba las nominaciones a los premios Oscar más recientes, no pude evitar compartir con mi pareja el logro histórico de Sinners, con sus impresionantes 16 nominaciones. “Lo woke ha vuelto”, respondió con una sonrisa, bromeando pero tocando un nervio sensible de nuestro tiempo. Su comentario refleja una división cultural palpable, donde ciertos sectores políticos cuestionan constantemente los valores de diversidad, equidad e inclusión (DEI), mientras que la audiencia global responde con entradas de cine y reconocimiento crítico.

El año pasado fue testigo de una paradoja fascinante: mientras figuras públicas y movimientos políticos advertían sobre los “peligros” de la representación diversa en el entretenimiento, producciones como Sinners, KPop Demon Hunters, Heated Rivalry y One Battle After Another no solo florecieron, sino que redefinieron lo que significa el éxito comercial y cultural. Estas obras trascendieron el nicho para convertirse en fenómenos mainstream, demostrando que las historias con perspectivas diversas tienen un poder de conexión masivo.

Sinners, dirigida por Ryan Coogler, utilizó el género de terror y la metáfora vampírica para explorar el racismo sistémico en el Sur estadounidense durante la era Jim Crow. Más allá de su narrativa innovadora, la película marcó un hito contractual: Coogler negoció con Warner Bros. la recuperación de los derechos cinematográficos después de 25 años, un movimiento poco común que empodera a los creadores frente a los grandes estudios.

Por su parte, Las guerreras K-Pop representó la culminación de más de una década de espera para su directora coreano-canadiense, quien insistió en la autenticidad cultural como pilar creativo. La película no solo celebró la subcultura del K-pop, sino que la elevó a nuevas audiencias globales, demostrando cómo la representación específica puede generar un atractivo universal.

En el ámbito televisivo, Más que rivales ofreció una visión subversiva del mundo del hockey profesional a través de una historia de amor entre dos jugadores en el armario. Esta producción canadiense, adquirida por HBO, encontró resonancia al humanizar experiencias LGBTQ+ en espacios tradicionalmente heteronormativos. Mientras tanto, Una batalla tras otra generó controversia por su representación del activismo, pero simultáneamente ofreció una exploración matizada de la maternidad y la resistencia política, desafiando las lecturas superficiales de sus críticos.

El contexto político añadió capas de significado a estos éxitos. Durante un período marcado por órdenes ejecutivas que buscaban desmantelar programas DEI a nivel federal, el triunfo comercial de estas producciones se interpretó como una forma de resistencia cultural. Mientras conglomerados mediáticos como Warner Bros. Discovery, Amazon, Paramount Global y Disney reducían sus iniciativas de diversidad, las audiencias votaban con sus boletos de cine.

La adquisición de Paramount por Skydance, fundada por David Ellison (hijo del partidario de Trump, Larry Ellison), simbolizó esta tensión. La empresa implementó cambios como la suspensión temporal de Jimmy Kimmel por un chiste sobre seguidores de Charlie Kirk y un rediseño editorial aparentemente conservador para CBS News. Paralelamente, programación centrada en valores tradicionales, comunidades rurales y narrativas cristianas recibió impulso significativo.

“Existe una percepción, dentro de ciertos círculos de poder, de que solo las historias de hombres blancos heterosexuales importan, y eso simplemente no es cierto”, afirma Jenni Werner, directora artística ejecutiva del New Harmony Project, organización dedicada al desarrollo de proyectos teatrales, cinematográficos y televisivos con compromisos antiopresivos y antirracistas. “El público busca transformación. Quiere experiencias que lo transporten a nuevos lugares mentales y emocionales, que ofrezcan comprensiones frescas sobre la condición humana”.

Werner mantiene la esperanza de que los artistas continuarán creando “obras que traspasen fronteras”, aunque reconoce las crecientes dificultades. Incluso antes del actual clima político, producir historias fuera del mainstream representaba un desafío. El Informe sobre la Diversidad en Hollywood de la UCLA, publicado en febrero pasado, reveló que casi el 80% de los directores de cine en 2024 eran blancos, al igual que aproximadamente el 75% de los protagonistas.

Este desequilibrio no solo es cuestionable éticamente, sino también económicamente miope. El mismo informe señala que las audiencias BIPOC (personas negras, indígenas y de color) “estaban sobrerrepresentadas como compradores de entradas para películas con repartos que incluían más del 20% de personas BIPOC”. Los números hablan por sí mismos: Sinners recaudó 368 millones de dólares en taquilla, ingresando al “salón de la fama del terror” según The New York Times.

La diversidad también impulsa el engagement digital. Un informe de la UCLA sobre televisión, publicado en diciembre, encontró que “si un programa presenta algún tipo de historia subrepresentada, como una centrada en mujeres, la media total de interacciones en redes sociales fue más de cinco veces superior a la de los programas que no incluían ese tipo de narrativas”, según Michael Tran, sociólogo y coautor del estudio.

En medio de consolidaciones corporativas que podrían favorecer narrativas más conservadoras -como los esfuerzos de Paramount Skydance para superar a Netflix y adquirir Warner Bros.- persiste la pregunta fundamental: ¿captará Hollywood el mensaje de sus audiencias?

Al preguntar al director Jon Chu, recién firmado con Paramount Skydance para una colaboración de tres años tras dirigir Wicked, sobre sus preocupaciones respecto a posibles recortes en iniciativas DEI, su respuesta fue pragmática. Chu, cuya decisión de elegir a Cynthia Erivo (una mujer negra) como Elphaba generó tanto elogio como controversia, ha construido una carrera defendiendo la diversidad. “El dinero manda”, afirmó claramente.

“Lo que adoro sobre la taquilla y la experiencia cinematográfica es que los críticos pueden opinar, el público puede debatir y los ejecutivos pueden afirmar lo que deseen. Pero cuando una película se proyecta en salas y genera ingresos, cuando crea un fenómeno cultural, se convierte en un hecho incontrovertible. Ahí termina la discusión”, concluyó Chu.

Esta tensión entre narrativas políticas y realidades comerciales define nuestro momento cultural. Mientras algunos sectores intentan relegar la diversidad a debates ideológicos, las audiencias globales continúan demostrando, con su consumo cultural y económico, que la representación auténtica no es solo un imperativo moral, sino también una estrategia comercial sólida. El éxito de estas producciones sugiere que el futuro del entretenimiento será escrito por quienes comprendan que las historias más poderosas son aquellas que reflejan la complejidad y diversidad de la experiencia humana.